A.I.L.A.: La IA como miedo primordial e intenso

Hay juegos que te eligen a ti. Que te ponen frente a una pantalla en blanco, te dicen “confía” y acto seguido empiezan a tejer tu caída libre. A.I.L.A. quiere ser uno de esos. Un experimento de terror psicológico donde una inteligencia artificial diseña tus pesadillas… o eso promete. Y aunque la idea es buena, muy buena, de hecho, lo que me he encontrado en PS5 es una experiencia que despierta curiosidad, sí, pero que también avanza con un ritmo tan lento que a veces cuesta mantener el pulso.

No quiero decir que A.I.L.A. sea un mal juego. En absoluto. Tiene una estética fantástica, un acabado técnico envidiable y un diseño de sonido que te envuelve sin pedir permiso. Pero cuando hablamos de cómo se juega, de cómo se siente en las manos y cómo construye su viaje… ahí es donde la cosa se tambalea.

Historia: Un concepto brillante atrapado en su propio silencio

La historia de A.I.L.A. nace de una idea potentísima: ser el único tester de una inteligencia artificial capaz de crear experiencias de terror personalizadas. Sobre el papel, es un planteamiento casi perfecto para un juego que busca jugar contigo, no solo asustarte. Es esa clase de premisa que abre un abanico enorme de posibilidades narrativas: reflexiones sobre el miedo, sobre el papel del jugador como conejillo de indias, sobre los límites de la tecnología y el descontrol emocional dentro de espacios aparentemente controlados. Y lo cierto es que el juego sabe construir esa atmósfera inicial: la sensación de entrar en un entorno clínico, frío, casi quirúrgico, donde la máquina te observa más de lo que tú la observas a ella. El primer contacto con A.I.L.A. funciona. Te hace sentir dentro de un experimento que debería salir mal.

El problema es que, una vez establecido el escenario, la historia no termina de empujar hacia adelante. Da la impresión de que el guion quiere decir muchas cosas, pero las dice muy despacio, casi con miedo a avanzar, como si estuviera demasiado pendiente de su propia solemnidad. Hay momentos sugerentes, pequeñas revelaciones, secuencias donde la IA parece insinuar intenciones ocultas… pero esas piezas nunca acaban de encajar con la contundencia que deberían. A.I.L.A. es un juego que nunca pierde la idea, pero sí pierde el ritmo. Sus capítulos se sienten más como una sucesión de ambientes que como pasos dentro de una narrativa que crece, cambia o evoluciona. Falta un punto de inflexión, un giro de guion que haga temblar las paredes, un momento en el que sientas que la IA sobrepasa límites de verdad o que Samuel, el protagonista, hace algo que redefina su papel en el experimento.

Jugabilidad: Un experimento atrapado en su bucle

Desde el primer tramo del laboratorio, mientras avanzas por ese pasillo interminable iluminado por tiras LED blanquecinas, notas algo que va a acompañarte durante toda la experiencia: el control responde con una parsimonia desconcertante. No es una torpeza natural ni una vulnerabilidad intencional, sino una sensación de que tu personaje “tarda demasiado” en hacer incluso lo más básico.

Un ejemplo muy claro es la primera sala de escaneo, donde necesitas girarte para interactuar con el panel secundario. El giro del personaje es tan lento que, más que crear tensión, provoca impaciencia. Y cuando esa misma sensación se repite en los tramos donde se supone que deberías reaccionar a estímulos de A.I.L.A., como cuando ves las luces parpadear o escuchas las distorsiones en los altavoces, terminas sintiendo que la amenaza no te inquieta porque tú mismo no puedes reaccionar a tiempo ni con precisión.

Es esa clase de lentitud que interrumpe el flujo, que te saca de la inmersión porque estás luchando contra el personaje, no contra el terror. El juego quiere que sientas miedo por no poder controlar completamente la situación, pero al final lo que sientes es frustración porque la experiencia no te permite moverte con naturalidad.

Estructura: una rutina que se reconoce demasiado rápido

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Estás en un laboratorio, la IA se despierta… y las primeras dos secuencias funcionan. Pero cuando llegas al capítulo tres, ya sabes exactamente qué tipo de interacción vas a tener:

• avanzar por pasillos similares,
• encontrar un panel,
• activar un sistema,
• ver una anomalía visual o auditiva,
• combatir,
• repetir.

Un ejemplo claro es la sala de mantenimiento, donde esperas un evento distinto, algo que altere tu percepción o cambie la forma de moverte por el escenario. Pero la estructura vuelve a ser la misma: buscas un mecanismo, lo activas y A.I.L.A. reacciona con un mensaje inquietante… que no cambia realmente la mecánica.

Esa repetición se vuelve especialmente evidente hacia la mitad del juego, donde incluso las variaciones ambientales, como los pasillos oscuros o las cámaras inundadas de luz roja, no van acompañadas de nuevas dinámicas jugables. Se siente como si el juego aplicara un filtro nuevo, pero dejara intacto el esqueleto mecánico. Y eso acaba pasándole factura.

Combate: una sombra de Resident Evil 7 que no termina de cuajar

El combate de A.I.L.A. aparece de forma puntual, casi como un recordatorio de que el juego quiere tener algo más que exploración y atmósfera. Y se nota claramente la influencia de Resident Evil 7: la cámara en primera persona, la forma de apuntar con un ligero temblor, ese retroceso breve que acompaña cada disparo… todo está planteado para transmitir vulnerabilidad. El problema es que, a diferencia del título de Capcom, aquí el combate carece del peso, la contundencia y la tensión que deberían sostenerlo.

Cuando te encuentras con las anomalías hostiles, el enfrentamiento se siente más inesperado que amenazante. Parte de culpa la tiene el control lento, que dificulta movimientos básicos como girarse a tiempo o recolocarse en espacios estrechos. Y la otra parte la tiene lo poco expresivo del feedback: los disparos no transmiten impacto, los enemigos no reaccionan con claridad y las animaciones son demasiado contenidas como para generar ese cuerpo a cuerpo sucio y tenso que sí lograba Resident Evil 7 incluso con recursos mínimos.

Además, el combate no evoluciona ni introduce nuevas capas. Tras el primer enfrentamiento ya has visto todo, por lo que la sensación es más de trámite que de amenaza real. Se podría haber convertido en un apoyo muy potente para romper la monotonía del gameplay, pero termina funcionando como un pequeño eco de una idea mejor ejecutada en otro juego. No estorba, pero tampoco suma lo que debería.

Interacciones: más simbólicas que significativas

Algo que esperaba con muchas ganas era sentir que A.I.L.A. reaccionaba a mis acciones, que sus intervenciones fueran adaptativas o que la IA aprendiera de mí. Pero la realidad es que la mayoría de las interacciones son trámites, casi botones de avance narrativo.

Un ejemplo evidente es la terminal de evaluación emocional, donde introduces tus respuestas. Parecía una oportunidad perfecta para alterar la experiencia, para generar caminos alternativos o sustos personalizados. Pero no. Da igual lo que escribas: la secuencia siguiente es idéntica y la IA no modifica su discurso en función de tus decisiones.

Otros momentos refuerzan esa sensación de que todo está estrictamente guionizado. Interactúas con elementos que parecen importantes, pero luego descubres que no tienen repercusión mecánica, solo narrativa. Es un juego lleno de acciones que quieren parecer interactivas, pero que en realidad solo funcionan como botones con estética.

Ritmo jugable: un desequilibrio que apaga el miedo

El terror funciona con pulsos: ascensos, silencios, irrupciones, pausas largas… Aquí, el ritmo se queda en una línea recta que no se mueve ni hacia arriba ni hacia abajo. Por ejemplo, en la secuencia del pasillo oscuro con la alarma estroboscópica, el juego está construyendo un crescendo visual y sonoro muy potente… pero, jugablemente, haces exactamente lo mismo que en una zona iluminada: avanzar lento, ir a un panel, activar algo, retroceder.

El ambiente grita cambio, el diseño sonoro lo pide, pero la jugabilidad no acompaña. No cambia tu forma de interactuar, no introduce peligro, no altera tu movilidad. Esto le quita impacto incluso a las mejores ideas del juego. La atmósfera está ahí, la tensión visual también, pero el ritmo jugable carece de picos y valles, por lo que el miedo nunca termina de cristalizar del todo.

Apartado técnico

Técnicamente, A.I.L.A. es sorprendentemente robusto. En PlayStation 5 se mueve con estabilidad: ni caídas de rendimiento, ni popping, ni tirones, incluso en las zonas más cargadas de efectos lumínicos. Las cargas son rápidas y el motor mantiene esa limpieza visual que caracteriza al juego sin comprometer la fluidez. No será el proyecto más ambicioso del mercado, pero sí uno que demuestra un cuidado real por la optimización.

El DualSense aporta pequeños matices que ayudan a reforzar la inmersión: vibraciones puntuales, gatillos tensados en interacciones concretas, un audio 3D muy bien posicionado, detalles que no transforman la jugabilidad pero sí suman a la atmósfera. En conjunto, es un título técnicamente sólido, estable y sorprendentemente pulido para su escala. Aquí es donde A.I.L.A. muestra más seguridad en lo que sabe hacer bien.

Apartado gráfico y artístico

Visualmente, A.I.L.A. destaca por una estética muy pulida y coherente. El juego apuesta por un laboratorio clínico, aséptico, de líneas rectas y superficies que casi parecen recién esterilizadas, y lo cierto es que funciona. Las luces frías, los reflejos y los paneles holográficos están tratados con un mimo que llama la atención desde el primer minuto, y aunque el entorno no sea especialmente variado, sí transmite una identidad muy clara: la de un espacio controlado por una inteligencia que lo observa todo. El uso del color es mínimo pero eficaz, dejando que cada destello o anomalía visual tenga verdadero peso en pantalla.

Artísticamente, el título encuentra su fuerza en la sensación antes que en la espectacularidad. A.I.L.A. no necesita monstruos ni exceso de elementos para incomodarte; a pesar de que los tiene y no son muy variados, lo hace con pequeños detalles: luces que parpadean como si respiraran, sombras que no terminan de encajar, distorsiones que rompen momentáneamente la geometría del escenario. No hay grandes alardes, pero sí una intención clara de que el mismo entorno se convierta en una amenaza silenciosa.

Apartado sonoro

El sonido en A.I.L.A. es, sin duda, uno de los pilares que más sostienen la atmósfera. La banda sonora es casi inexistente, y no por falta de intención, sino porque el juego apuesta claramente por un diseño sonoro ambiental que deja respirar cada golpe metálico, cada zumbido eléctrico y cada alteración digital como si fueran voces propias del laboratorio. Los silencios están cuidadosamente medidos, y cuando A.I.L.A. interviene, ya sea mediante distorsiones, chasquidos o mensajes modulados, el contraste resulta realmente inquietante. Es un sonido que no pretende sobresaltar, sino insinuar que algo, en algún punto del espacio, está observándote.

El uso del audio termina de cerrar la experiencia. Hay momentos en los que sientes cómo una vibración grave se desplaza detrás de ti, o cómo un pitido agudo se expande desde un punto concreto del escenario, y ese posicionamiento preciso hace que la tensión se adhiera a cada paso. No es un diseño sonoro espectacular, ni está lleno de grandes alardes, pero sí está trabajado con una intención clara: convertir el propio espacio en un personaje más. Y en ese sentido, el juego cumple con creces.

Conclusión

A.I.L.A. es uno de esos juegos que, cuanto más piensas en él, más claro ves lo que podría haber sido. Tiene una base conceptual potentísima, una IA que disecciona tus miedos y te encierra en un laboratorio que respira por sí mismo, y un apartado técnico impecable que sostiene la experiencia de principio a fin. La atmósfera está ahí, el arte lo acompaña y el diseño sonoro sabe exactamente cuándo callar y cuándo rozarte la nuca. Sin embargo, todo ese potencial convive con una jugabilidad que nunca termina de romper su propia fórmula: controles lentos, poca evolución mecánica, un ritmo que se aplana demasiado pronto y un combate que se queda en la superficie de sus influencias.

No es un juego fallido, ni mucho menos. Es un juego incompleto, uno que apunta a lugares muy interesantes pero que no se atreve del todo a explorarlos. Y aun así, tiene algo: un magnetismo extraño, esa sensación de estar participando en un experimento imperfecto pero sugerente. Si entras buscando un survival horror frenético o impredecible, probablemente te quede corto. Pero si te atraen las atmósferas densas, los espacios clínicos que ocultan grietas y las historias que se deslizan entre lo humano y lo sintético, A.I.L.A. tiene momentos que merecen ser vistos.

Lo mejor

• Un apartado técnico sorprendentemente sólido y bien optimizado.
• El diseño sonoro y el uso del audio 3D, capaces de generar tensión por sí solos.
• La ambientación del laboratorio, minimalista pero con mucha intención.

Lo peor

• El control pesado, que resta más de lo que aporta.
• Una jugabilidad repetitiva que apenas evoluciona con el paso de las horas.
• Ritmo narrativo irregular, con tramos demasiado planos.
• El combate, inspirado en Resident Evil 7, pero sin su contundencia ni su peso.

Nuestra valoración de A.I.L.A.